文艺复兴是欧洲从中世纪封建社会向近代资本主义社会转变时期的反封建、反教会神权的一场伟大的思想解放运动，代表欧洲近代资本主义文明的最初发展阶段，是人类从来没有经历过的最伟大的、进步的变革。但丁首先将铁门推开了一条缝隙，透进一束黎明的光线。意大利人卜伽丘和法国拉伯雷则向中世纪神学发起了最猛烈的攻击。前者以人性为武器，后者又加上了理性精神。莎士比亚作为接力赛的最后一棒，跑到了文艺复兴的预期的终点。在他的作品中，减弱了对中世纪教会和政权的抨击，因为他周围的势力已大不如以前了。从但丁开始的这一伟大运动，在莎士比亚时代终于取得了辉煌的成果。
莎士比亚是同时代的艺术家中站得最高，看得最远的。他不是凭借逻辑思维而是依靠感觉所获得的东西，是哲学家们过了许多年后才加以阐释的，而莎士比亚在当时就形象地描述出来了。
每个时代对莎士比亚的评论，都反映了那个时代的文学观点，也反映了莎士比亚作品的某些特点或侧面。莎士比亚的同时代剧作家，本·琼森称他为“时代的灵魂”，说他“不属于一个时代而属于千秋万代”。英国古典主义者蒲伯认为：“没有一个作家，哪怕是荷马，能比他更应赢得独创的名声。”法国思想家伏尔泰指出，莎士比亚“有一种无愧为最伟大的天才的崇高思想”。杜勃留洛夫曾言：“但丁、歌德、拜伦的名字常和他的名字结合在一起，可是很难说，他们每个人都是像莎士比亚似的这样充分地标示出全人类发展的新阶段。”
17世纪兴起的新古典主义，在许多方面都企图对文艺复兴否定。浪漫派在击溃古典主义时，他们高举的正是莎士比亚的旗帜。莎士比亚捍卫了文艺复兴的成果，并且为后来的浪漫主义、现实主义乃至现代主义开路，近三个世纪的许多重要流派几乎都从莎士比亚的作品中寻找自己存在的根据，并用莎士比亚为自己张目。
19世纪，浪漫主义、现实主义兴起后，莎士比亚风靡欧洲，雨果、司汤达等人在和古典主义斗争中，都高举莎士比亚大旗，鼓吹莎士比亚精神。英国柯勒律治、赫士列特等几乎把其奉为神明。
德国狂飙运动也是高唱莎士比亚赞歌，举着莎士比亚旗帜冲锋陷阵。海德尔、歌德、席勒都是这个运动的旗手。
除此之外，许多大作家，如巴尔扎克、狄更斯、雪莱、普希金、屠格涅夫等等，都曾经以莎士比亚作为样本，在内容和方法上进行仿效，从而在其作品中留下了莎士比亚的影子。
【余论】正如法国大文豪雨果所言，莎士比亚“这种天才的降临，使得艺术、科学、哲学或者整个社会焕然一新”，他的光辉“照耀着全人类，从时代的这一个尽头照到那一个尽头”。
（贾东瀛）
古典与现实的集大成者
奥古斯特·罗丹
（1840～1917）
【传略】奥古斯特·罗丹，法国雕塑艺术家，被认为是19世纪和20世纪初最伟大的现实主义雕塑艺术家。
1840年11月12日罗丹诞生于巴黎一个平民家庭，1917年11月17日卒于默东。父亲是警察局警务信使，母亲是做鞋工人。幼时家境贫寒，他没有条件上大学深造，学艺术是在免费的工匠学校，也到罗浮宫观摩自学。从小便从事首饰、珠宝等手艺劳动。
罗丹24岁才开始正式从事艺术事业，为动物雕塑家巴耶和著名雕塑家卡里耶·贝勒斯当助手。期间，创作了第一件名作“伤鼻梁的人”，但没有被沙龙看中。70年代初，在普法战争和巴黎公社起义期间逃离法国，师从贝勒斯，为布鲁塞尔商会和比利时学院作装饰雕刻。1875年，罗丹旅游意大利。在那里，文艺复兴时期雕塑家多那太罗、吉贝尔蒂和米开朗琪罗等大师的作品对动作和肌肉表现的处理深深感染了他，使他激动不已。1877年到法国北部旅行，悉心研究中世纪哥特式的建筑和雕刻，使他在艺术上获得长足进步，确立了自己的创作方法，并得到了认可。
1880年，裸体塑像“施洗约翰”展出，进一步提高了罗丹的声望。罗丹早期的代表作有《伤鼻梁的人》《青铜时代》《地狱之门》等。1884年加莱城倡议，为纪念英法百年战争中为营救加莱城人民而自愿献身的英雄做纪念像。在雨果逝世以后，罗丹又为巴黎先贤祠设计了雨果纪念像，1891年，罗丹接受了创作巴尔扎克纪念碑的任务。罗丹曾为文艺界名人作过一系列肖像，如《达卢》《波德莱尔》《皮维斯·德夏瓦纳》《萧伯纳》等，有创作经验和理论的著述《艺术论》传世。
【影响】对于现代人来说，罗丹是古典主义时期的最后一位雕塑家，同时又是现代主义时代的第一位伟大的雕塑家。
罗丹的学艺之路，并非一帆风顺。他幼时家境贫寒，经历了不少生活的艰辛，他所处的时代正是动乱时期，社会矛盾重重。年轻时坎坷的经历，不仅使他有机会接近下层群众，建立了对劳动的感情，同时也为他今后多元化的创作，作了技术上的积累。虽然没有受过正规的学校教育，可是他很重视文学修养，对文学作品有自己独到的认识和理解。在他的作品中，不仅常常蕴含着浓厚的文学意境，而且不少是直接取材于文学作品。
罗丹早期的作品风格写实，重视人物性格的刻画，后期的作品具有印象主义和象征主义倾向。他力图在作品中表达自己对于人生的思考。他的一些优秀作品，既具有现实主义的深度，又富有浪漫主义的激情。他的创作实践，的确使学院派笼罩下日渐衰颓的艺术为之一振。
罗丹反对学院派的创作方法，主张尊重自然。他说：“对于艺术家，自然中的一切都是美的。”他的经典名言就是：“美是到处都有的。对于我们的眼睛，不是缺少美，而是缺少发现。”他认为“美，就是性格和表现，而且自然中任何东西都比不上人体更有性格。”因此，在罗丹的雕塑中，人体占有极重要的位置。
在他成熟时期的作品---大理石《卧女》裸体雕塑中，充分体现了他所推崇的人体之美。那匍匐而稍带扭曲的少女身躯，造成肩部和髋部某些骨骼的突起，而使人体肌肉产生了运动的张力，给肌肉以优美和充满生命的活力。温馨的躯体，飘柔的秀发与粗犷的底座形成鲜明的对比，更增添了作品的魅力。
在《思想者》里面，我们看到的是另一种人体之美：一尊坐在岩石上低头沉思的男性，他赤裸而粗犷的身躯，既没有古希腊雕塑的圆润肃穆，也没有现代软性包装的做作，但在刚毅古朴的造型中，透射出无法抵御的精神之美。
罗丹为人体雕塑里注入的激情，总是洋溢着一种原始的野性的力量。没有人能像他这样，如此精微细腻而又如此激扬狂放地迷恋和表现出人体所孕育的言语。面对他的雕塑作品，你的确是能听得见呼吸的，你看到的整个人体都在呼吸，每一个细小的部分都在呼吸，它们汇集起来，涤荡着你的耳膜，闭上你的眼，由不得你不听。
1880年，在当时已经有些名望的罗丹接受了一项任务，为巴黎装饰艺术博物馆的大门及西侧门框。罗丹经过一番苦思冥想，从但丁的《神曲》的《地狱篇》得到灵感，决定以此为切入点，作一件鸿篇巨制，因此，这一装饰大门的艺术构思又被称为《地狱之门》。在这个作品里，罗丹构思的人体，几乎包括了他在1880年以后所作的许多重要作品，如《思想者》《乌戈利诺和他的儿子们》《吻》《永恒的偶像》等。这些作品，无不凝聚了罗丹那富有哲理的艺术理念，体现了艺术大师非凡的艺术手法和创作思想。这个宏伟的工程，耗去了罗丹37年的时间。遗憾的是，由于种种原因，一些当事者对罗丹的构思不能理解，经济上未予充分支持，直到罗丹去世，这个作品也没有最后完成，但围绕这个构思的许多作品，是罗丹留下的一笔宝贵的艺术遗产。
1884年加莱城倡议，为纪念英法百年战争中为营救加莱城人民而自愿献身的英雄做纪念像。罗丹在设计过程中，把一人雕像发展为6人群像，作品称做《加莱义民》，以资纪念6位义民的功勋和宏扬他们的爱国主义精神。罗丹在这个纪念碑中没有沿用古典雕刻常用的综合象征的表现方式，而是专注于事件的真实性与历史的具体性，着重表现人物的性格特征和复杂的心理状态。罗丹第一次把心理刻画扩大到广场上大型纪念碑雕刻中去。他放弃了纪念碑群像雕刻常用的底座，而让6位英雄直接站在地面上。这座纪念碑的问世，使罗丹获得了世界声誉。1913年英国政府购买了《加莱义民》的复制品，并请罗丹亲往英国奠基，安置在英国国会大厦的旁边。
罗丹为一些文学大师塑造的纪念像已经成为世界艺术宝库中的精品。他为巴黎先贤祠设计了雨果纪念像，刻画了伟大作家深远而痛苦的精神状态，表达了雨果从悲剧世界中看到人类未来的信念。他塑造的巴尔扎克纪念像，把巴尔扎克表现为身披睡衣，处于创作灵感来到时的昂首振奋状态，揭示了巴尔扎克内在的惊心动魄的力量。
尽管罗丹经常受到不公平的待遇，但仍然热爱着他的祖国。罗丹在逝世前一年，决定将自己的作品全部赠送给国家，现在收藏在巴黎的罗丹博物馆。
罗丹首先是一位创造家，其次是一位理论家，他的理论精华都凝聚在《艺术论》中。
撇开雕塑创作不说，仅凭一部《艺术论》也足以使罗丹在世界艺术殿堂里面不朽。
罗丹在他的《艺术论》中，曾论及艺术的灵魂在于启悟人生，“艺术向人们揭示人类所以存在的问题，它指出人生的意义，使他们明白自己的命运和应走的方向”。罗丹所以创作出不朽的《思想者》，也是向人们指明思想者在人类未来的精神守望作用。应该指出，人们在创造出大量物质财富的同时，也给人类自身带来了更多的惶惑与迷茫。伴随工业文明而来的是与人类命运相关的战争暴行、生态失衡、贫富悬殊等痼疾。只要有人类存在，对自身的认识与反思，就成了人性自由自觉的一种活动，它不会随着物质文明的发展而消解，相反，物质文明的过度泛滥，愈发使人们认识到人文价值的重要性。在这一点上，罗丹已经走在了我们的前面。
【余论】罗丹继承了古典主义的辉煌成就，同时也是现代雕塑创始者。罗丹从人的自然形态中开掘出人的本质，并把光线引入了雕塑，从而创造了新的审美类型。对罗丹来说，艺术的美存在于内在的真实表达，为此，他常常巧妙地背离人体解剖学。它的雕刻作品，无论是青铜雕还是大理石雕，一般采用两种风格：一种是刻意造就粗糙表面和粗犷表面造型的颇有个性的风格；另一种，其特征是抛光的表面和精细的外形。罗丹的思想与作品是极其一致的，充满了忧郁、苦闷、伤感，及在命运中的挣扎。他所塑造的人物都是忍辱负重的现实人生的写照，他的艺术力量不是外在的呼喊，而是理性意义的表露，是内心情感与思想的自然爆发。这正是其能够启发观众、打动人心的魅力所在。
罗丹一生付出了艰巨的劳动，在艺术上有很高的造诣，是一位富于浪漫主义精神的现实主义者，同时用多样的手法和新颖的构思，作了大量创造，极大地丰富了雕刻艺术的表现领域。他的创作对欧洲现代雕塑的发展产生了不可低估的影响。
（贾东瀛）
舞蹈女神
邓肯
（1877～1927）
【传略】伊莎多拉·邓肯，美国女舞蹈家，现代舞的先驱。1877年5月26日生于圣弗朗西斯科，1927年9月14日卒于法国尼斯。自幼受过良好的艺术教育，母亲是音乐教师，培养了她的舞蹈兴趣。她立志用舞蹈重新诠释音乐的精髓。21岁时她被迫去英国谋生，在不列颠博物馆潜心研究古希腊艺术。她从古代雕塑、绘画、音乐中寻找灵感，追求“可以通过人体动作神圣地表现人类精神”的舞蹈。凭借其独树一帜的艺术形象，邓肯在整个欧洲受到人们的普遍欢迎。1904年、1905年、1913年邓肯数次访问俄国，她的表演和对舞蹈的理解，震动了俄国艺术界。
邓肯极力推崇美即自然这一美学思想。1913年以后，她的创作转向悲壮的、英雄的题材──贝多芬、瓦格纳、柴科夫斯基的音乐。这其中有她创作和表演的最著名的作品《马赛曲》《斯拉夫进行曲》《国际歌》《第六交响曲》（柴科夫斯基作曲）等。
1921年，邓肯应邀去苏联办学，同时在德国、法国设有舞蹈学校。她曾讴歌过苏联十月革命。1922年，她与苏联诗人叶赛宁结婚，后又与之分手，到欧洲旅行。1927年12月14日因车祸逝世。
邓肯的舞蹈作品传世甚少，她的思想、言论散见在她的自传和后人的回忆录中。柏拉图、叔本华、尼采、卢梭、惠特曼对其产生过较大的影响。邓肯毕生从事舞蹈改革与创新，她的实践和理论对当时和后来的舞蹈艺术发展都有很大影响。
【影响】邓肯被誉为“现代舞之母”，是20世纪初一位杰出的女性，是一位毕生追求欢乐与光明的舞蹈之神，她给人类带来一个瑰丽的梦，将伟大的艺术献给了世人。
